[derniers tickets] Graindelavoix

Bienvenue au Klarafestival !

Festival van Vlaanderen Brussel, Klara et nos partenaires sont heureux de vous accueillir à nouveau. « I believe audiences aren’t just listening. They are actively contributing », confiait l’artiste du festival, Barbara Hannigan, dans une interview. Un concert, c’est une interaction entre le public, les artistes et tous ceux et celles qui, sur scène ou en coulisses, participent à la magie de ces moments. Ensemble, nous faisons corps avec la musique. Become Music !

Cheffe d’orchestre et soprano, Barbara Hannigan est un grand nom de la scène internationale. Avec elle, la musique classique prend la forme d'une expérience moderne à part entière. C'est une source d’inspiration pour le Klarafestival, le plus grand festival radio du pays. Ses multiples talents et ceux de nombreux artistes belges et internationaux, qui relient le passé et le présent par des récits musicaux, vous feront indéniablement vibrer.

Le Klarafestival commencera en force avec Hannigan au pupitre du London Symphony Orchestra. Ensuite, on la verra et entendra avec des jeunes musiciens participant à son projet de mentorat Equilibrium Young Artists. Quelque 25 concerts mettront en avant des ensembles talentueux, tels que Les Talens Lyriques, le City of Birmingham Symphony Orchestra avec Mirga Gražinytė-Tyla et Vilde Frang ou le St. Louis Symphony Orchestra avec Víkingur Ólafsson. Le Klarafestival encourage aussi la création. Le ciné-concert Reich/Richter mêlera les tableaux de Gerhard Richter à la musique de Steve Reich. La surprise sera encore au rendez-vous dans la création Counterforces du compositeur Frederik Croene sur un texte de la poète Dominique de Groen ou dans la production de théâtre musical Prey du metteur en scène Kris Verdonck sur une musique composée par Annelies Van Parys.

Ces concerts et tous les autres ne pourraient avoir lieu sans la collaboration de nos partenaires culturels : Bozar, Flagey, Kaaitheater, Théâtre Varia, Muntpunt, Concertgebouw Brugge et De Singel. Nos remerciements vont aussi à nos partenaires privés KPMG, Proximus, Brasserie Omer Vander Ghinste, Belfius, Interparking et les joueurs de la Loterie nationale. Nous sommes reconnaissants du soutien de la Communauté flamande et de la Région de Bruxelles-Capitale. Et enfin, merci à Klara et à la VRT : il n’y aurait pas de festival radio sans leur précieux appui.

Joost Fonteyne

Directeur artistique Klarafestival

Rolling Stone: La Messe du tremblement de terre d’Antoine Brumel en des temps d’adversité

Que peuvent signifier l’art et la musique en des temps de catastrophe et de crise?

Graindelavoix a cherché conseil auprès de Pieter Brueghel, qui, vers 1560, a peint des grisailles couleur pierre, en réaction aux désastres politiques et à la crise iconoclaste, et auprès du compositeur français Antoine Brumel, dont la Messe du tremblement de terre à douze voix a été redécouverte à la même période. Pour ces artistes, la résurrection du Christ n’est pas assimilable au soulèvement ou à la révolution, mais à une confrontation stupéfiante avec le tremblement, le gravier et un trou noir. Sur les ruines du présent et du passé, Graindelavoix recrée la composition de Brumel, introduite par des images du bref documentaire néoréaliste Il Culto delle Pietre réalisé par Luigi di Gianni en 1967. Ajoutez à la couleur et au grain des voix chantées l’anachronisme délibéré de quatre cuivres et les interventions du guitariste d’avant-garde portugais Manuel Mota, et vous obtiendrez une idée de l’atlas des catastrophes de Graindelavoix.

Björn, pour ce tout nouveau programme de Graindelavoix, qu’est-ce qui vous a mené à la Missa Et ecce terrae motus d’Antoine Brumel, surnommée la Messe du tremblement de terre?

C’est pour moi un vieux rêve d’interpréter cette composition insensée pour douze voix. À l’époque de Brumel, cette œuvre était un cas unique : elle regorge de contradictions contrapuntiques, sans aucune comparaison avec ce que l’on composait au début du XVIe siècle. Ce genre de pièces, qui, précisément par leur position exceptionnelle, sont essentielles pour une certaine période historique, m’ont toujours passionné. En les prenant au sérieux et en considérant toute leur importance, on change l’image habituelle du passé. Et je suis convaincu que l’on peut, avec elles, également changer sa propre époque. Avec Graindelavoix, je veux adopter une position anti historique : c’est précisément la friction entre l’art et les normes dominantes à la période à laquelle cet art a vu le jour qui m’intéressent. La Messe du tremblement de terre de Brumel est littéralement un point de rupture artistique de ce type.

Pouvez-vous préciser? 

Le compositeur français Antoine Brumel était un contemporain de Josquin Desprez, un composteur davantage connu. Il a écrit cette messe à douze voix vers 1500, en s’appuyant sur les sept premières notes de l’antienne Et ecce terrae motus, tiré de la liturgie de Pâques. Autour de ce cantus firmus récurrent, il a tissé un motif de lignes ascendantes et descendantes. On dirait de prime abord l’approche orthodoxe d’une messe de Pâques. Dans l’iconographie chrétienne, la résurrection de Jésus est représentée comme un événement positif : la plupart du temps, on voit un Christ triomphant brandissant un étendard flottant au vent, entouré de témoins. Mais Brumel ne s’y conforme pas. Il opte résolument pour l’expérience sonore du tremblement de terre. Et qui plus est, les voix non seulement imitent le bruit de la pierre que l’on fait rouler pour ouvrir le tombeau, mais sont également pleines de contradictions harmoniques qui reproduisent le bruit des cassures tectoniques. Cela tient peut-être de la boutade, mais on pourrait qualifier Brumel de premier éco-compositeur. Sa vision de la nature est une imperfection dialectique où imperfection, dévastation et désastre font partie intégrante du processus. Espoir et innovation doivent être imaginés en partant de la catastrophe même.

Selon vous, le peintre flamand Pieter Brueghel, un quasi contemporain de Brumel, adopte un point de vue similaire? 

Oui, c’est mon avis. Sur le plan conceptuel, il prolonge encore cette vision, probablement stimulé par le contexte politique de l’époque. Ce qui sommeille déjà dans la messe de Brumel est encore plus explicite dans le projet artistique de Brueghel. Et ce n’est que par l’intermédiaire de l’art de Brueghel que la composition de Brumel révèle son réel potentiel. En outre, sa Messe du tremblement de terre entretient un lien particulier avec l’art de Brueghel : la source originale de la messe a été longtemps perdue, mais elle a refait surface à la cour de Bavière précisément après la crise iconoclaste de 1566, par l’entremise du compositeur franco-flamand Roland de Lassus. Et c’est à ce même moment-là précisément que Brueghel a élaboré en Flandre une nouvelle forme de grisaille, en guise de réponse à la destruction des œuvres d’art et comme critique de la représentation artistique religieuse. Sa Grisaille de la résurrection présente la même dialectique que la messe de Brumel : ce qui doit représenter le triomphe de la foi chrétienne est, dans la grisaille de Brueghel, le rendu peut-être le plus inflexible et le plus inquiétant de cette scène dans l’histoire de l’art occidental. La figure du Christ y est marginale ; il flotte au-dessus de la représentation, presque invisible, dans les nuages. L’attention du spectateur se concentre sur l’ange qui découvre un trou sombre.

Comment abordez-vous cette musique? 

Le manuscrit a malheureusement subi les outrages du temps, et des infections bactériennes l’ont rendu moins lisible. Mais au lieu de reconstituer de façon historiquement informée les lacunes de la partition, nous nous en sommes servis comme d’un nouveau point de départ. Nous sommes partis de l’idée que catastrophes et déformations pouvaient être utilisées comme des dynamiques fécondes et même des instruments chirurgicaux. Nous avons ainsi élaboré pour l’ensemble instrumental un style de jeu somnolant[ES1] , qui évolue lentement, presque comme un parasite. La guitare électrique, le serpent, le cornet et les deux cors se mesurent aux chanteurs et constituent un reflet inquiétant de leurs chants, contaminé par des aberrations, des glissements ou des inflexions. Je voulais créer une sonorité apocalyptique, d’où le choix de cet instrumentarium original. En outre, le choix des musiciens devait aussi contribuer à une sorte d’historicisme anachronique. J’ai donc sollicité la joueuse de serpent Berlinde Deman, non pas pour le bien-fondé historique de l’instrument, mais bien pour la façon dont, par son expérience du jazz et de la musique expérimentale, elle aborde le tempérament mélancolique et lugubre de son instrument. Les cors naturels, avec le fléchissement et la technique des sons bouchés, sont impensables dans la polyphonie du XVIe siècle. Mais en raison de leur caractère vocal et de la technique de glissement, ils me semblaient constituer un pendant parfait aux voix de Graindelavoix. Et j’ai déjà travaillé avec le guitariste Manuel Mota il y a dix ans. Je cherchais quelqu’un qui, porté par son intuition, pourrait ajouter au matériau original uniquement l’absolu nécessaire, en se basant sur l’atmosphère créée par les chanteurs.

Pourquoi avez-vous choisi de commencer le concert par un film documentaire italien de 1967? 

Nous ne voyons qu’un extrait, passé en boucle, du documentaire original de Luigi di Gianni, dans lequel les habitants d’un village des Abruzzes se roulent dans la poussière d’une crypte souterraine, en quête de la guérison de leurs souffrances spirituelles et physiques. Ils se changent alors véritablement en pierre. Manuel Mota a créé une nouvelle bande sonore, qui résonne live durant le concert, et dont émerge ensuite la Messe du tremblement de terre, comme une catastrophe invisible qui surgit lentement. J’aime proposer au public une forme de récit qui continue à produire son effet et à nous faire perdre l’équilibre. Ce prélude à la messe en tant que telle est pour moi essentiel, même s’il n’a pas de signification explicite : cela donne au public la possibilité de s’imaginer en sismographe de la Messe du tremblement de terre qui suit.

interview par Graindelavoix

Graindelavoix 

Graindelavoix est un ensemble international de musique et d’art établi à Anvers. Fondé au début du XXIe siècle et placé sous la direction de Björn Schmelzer, il propose une relecture actuelle et critique du répertoire polyphonique, surtout ancien. La remise en question des répertoires de jadis, de leurs dimensions esthétiques et politiques, de leur décalage et de leur aliénation donne souvent lieu à des spectacles controversés qui bousculent le public tout en le rendant complice. Constituée d’un noyau de chanteurs, la compagnie collabore aussi régulièrement avec d’autres musiciens, des plasticiens, des danseurs ou des metteurs en scène.

Björn Schmelzer

Björn Schmelzer est anthropologue, chef d’orchestre, écrivain, cinéaste et artiste. Il est le directeur artistique de l’ensemble de musique Graindelavoix, établi à Anvers, avec qui il donne des concerts en Belgique et à l’étranger. Avec Graindelavoix, il a enregistré pas moins de 17 CD célébrant des répertoires musicaux qui lui demandent systématiquement des recherches approfondies. Celles-ci font l’objet d’essais, de conférences et de publications. L’approche et l’horizon de l’œuvre de Schmelzer se situent à l’interface de la théorie spéculative, de la psychanalyse, de l’histoire (de la musique) et de l’histoire de l’art.

Alex Fostier

Alex Fostier a étudié l’animation à l’École supérieure des arts visuels de la Cambre et l’ingénierie du son à l’Institut des arts de diffusion. Il est l’ingénieur du son d’Anne Teresa De Keersmaeker depuis 1991. Il collabore aussi régulièrement avec l’ensemble Ictus, le quatuor BL!NDMAN, Wim Vandekeybus, Alain Platel, Sidi Larbi Cherkaoui et Graindelavoix. 

Caspar Langhoff

Depuis 2004, Caspar Langhoff est concepteur lumière et décors pour Aurore Fattier, Matthias Langhoff, Maud Finet, Laurence Calame, Arsenic, Jean-Benoît Ugeux, Olivier Boudon, Sébastien Monfè, Lazare Gousseau, Anne Cécile Vandalem, Myriam Saduis, Christophe Sermet, Emmanuel Texeraud et l’ensemble musical Ictus, pour ne citer qu’eux.

Margarida Garcia

La contrebassiste portugaise Margarida Garcia est réputée pour son langage franc, mélodique et mélancolique à la contrebasse électrique. Dans le milieu underground de Lisbonne, elle fait la connaissance du guitariste Manuel Mota, qui est régulièrement son comparse. Les arts visuels occupent aussi une place importante dans sa carrière. Depuis 2014, elle partage sa vie entre Lisbonne et Anvers, où elle collabore régulièrement avec l’ensemble Graindelavoix.

Vous avez besoin de vous confier après un spectacle ? Alors rendez-vous au Biechtstoel [Le Confessionnal ] ! Une oreille attentive invisible vous pose des questions sur ce que vous venez de voir et d’entendre. Le son des conversations est enregistré puis monté avec des images réalisées en live par un illustrateur pendant le spectacle, pour former une compilation des réactions du public lors de la soirée.