Abel Selaocoe & Bantu Ensemble

Where Is Home? 

Un chez-soi musical

Un homme monte sur scène, violoncelle à la main. Il observe la salle, écarte les bras et déclare : « Bienvenue. Ce soir, vous n’êtes pas de simples spectateurs, mais des participants. Notre rencontre est un échange. » Il commence ensuite à chanter et à jouer, et tout devient clair. Tel une antenne vivante, il capte l’énergie du public et la renvoie décuplée. La salle se métamorphose en salon. Ceux qui étaient présents rentrent chez eux transformés. 

C’est à peu près ainsi que se déroule un concert d’Abel Selaocoe. Avec ce charismatique violoncelliste, chanteur et compositeur, nous vous souhaitons la bienvenue au 21e Klarafestival. En tant qu’artiste du festival, Selaocoe donnera trois concerts couvrant tout le spectre de son univers musical. De la musique traditionnelle de son pays natal, l’Afrique du Sud, au baroque en passant par le jazz, le classique contemporain et l’improvisation, il fusionne toutes ces influences pour créer une œuvre unique placée sous le signe de l’identité et des échanges culturels.

Le thème de cette édition du festival s’inspire du premier album du Bantu Ensemble, le groupe de Selaocoe : Where Is Home? Une question ouverte qui appelle d’innombrables réponses, surtout dans une ville aussi diversifiée que Bruxelles, où se croisent 180 nationalités et 100 langues. Notre capitale est une plaque tournante. Un refuge. Un foyer temporaire ou permanent pour d’innombrables personnes et autant d’histoires. Jour après jour, nous avons la chance de pouvoir ancrer notre festival dans un terreau aussi fertile. 

Le Klarafestival 2026 rend hommage à cette ville qui est la nôtre. Dans le cadre du Muziekberg/Mont des Musiques, des musiciens bruxellois investissent pendant une journée le Mont des Arts, entre le Musée des instruments de musique, Bozar, la galerie Ravenstein et les Musées royaux des Beaux-Arts. Radio Lomax et la Chorale des Invisibles (La Voix des Femmes Sans Papiers) interprètent des chansons bruxelloises aux origines diverses. 

Notre mission est de faire découvrir à un public aussi large que possible que la musique classique est bien vivante. Entre les mains des musiciens audacieux que nous accueillons, même les œuvres les plus familières reçoivent un nouveau souffle. Laissez-vous surprendre par la Passion selon Saint Jean de Bach sous la direction de Maxim Emelyanychev. Émerveillez-vous devant Beethoven et Strauss avec l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg. Redécouvrez Chopin et Scriabine dans une interprétation d’Alexandre Kantorow. Ou faites connaissance avec le phénomène du clavier Anthony Romaniuk : tout comme Abel Selaocoe, il mêle sa propre musique au répertoire existant, de Bach à Björk. 

Cette édition du festival rassemble d’autres artistes partageant ces mêmes affinités musicales. Annelies Van Parys a ainsi achevé la 8e symphonie de son ancien professeur Luc Brewaeys. Les pianistes Kris Defoort et Stéphane Ginsburgh rendent hommage à leur ami Philippe Boesmans, qui aurait eu 90 ans en 2026. Quant à Abel Selaocoe, il improvise avec d’anciens et nouveaux alter ego musicaux et interprète un tout nouveau concerto pour violoncelle de la compositrice américaine Jessie Montgomery avec le Brussels Philharmonic. 

Tout ceci ne serait pas envisageable sans le soutien de nos partenaires à Bruxelles et ailleurs. Bozar, Flagey, La Monnaie, l’Ancienne Belgique, Brussels Philharmonic, l’Orchestre national de Belgique, Passa Porta, BNA-BBOT et la Fondation Luc Brewaeys contribuent à l’ADN unique du Klarafestival. Nos partenaires privés indispensables sont KPMG Belgium, Proximus, Brugse Zot, Gimv/WorxInvest et Interparking. Nous tenons à remercier la Communauté flamande, la Commission communautaire flamande, la Région de Bruxelles-Capitale et la Loterie Nationale pour leur soutien. La collaboration avec la VRT et Klara est quant à elle le secret de notre succès en tant que festival radiotélévisé. Enfin, nous adressons toute notre reconnaissance au public enthousiaste qui nous suit, tant dans la salle de concert qu’à la maison via la radio et VRT MAX. 

Pour Abel Selaocoe, le « chez-soi » représente bien plus qu’un bâtiment ou un lieu. « Il peut s’agir d’un espace spirituel. De quelqu’un. (...) De quelque chose que l’on découvre au détour d’un chemin. » Pendant sept ans, l’intendant Joost Fonteyne a été « chez lui » au Klarafestival. Son goût pour l’aventure et les liens sociaux transparaît plus que jamais dans le programme de ce festival. En avril 2026, il poursuivra son voyage et passera le flambeau à Jan Van den Borre. Merci du fond du cœur, Joost, pour ces belles années !

L'équipe du Klarafestival 

Joost Fonteyne, intendant

Jan Raes, président

Chantal Pattyn, gestionnaire de réseau Klara

« Il existe un fil conducteur à travers l’histoire qui nous relie tous »

– Katherina Lindekens s’entretient avec Abel Selaocoe 

Un homme monte sur scène, violoncelle à la main. Il observe la salle, écarte les bras et déclare : « Bienvenue. Ce soir, vous n’êtes pas de simples spectateurs, mais des participants. Notre rencontre est un échange. » Il commence ensuite à chanter et à jouer, et tout devient clair. Tel une antenne vivante, il capte l’énergie du public et la renvoie décuplée. La salle se métamorphose en salon. Ceux qui étaient présents rentrent chez eux transformés. 

C’est à peu près ainsi que se déroule un concert d’Abel Selaocoe (se prononce See-lau-twee). En tant qu’artiste phare du Klarafestival 2026, Selaocoe donnera trois concerts couvrant tout le spectre de son univers musical. De la musique traditionnelle de son pays natal, l’Afrique du Sud, au baroque en passant par le jazz, le classique contemporain et l’improvisation, il fusionne toutes ces influences pour créer une œuvre unique placée sous le signe de l’identité et des échanges culturels. Quelques mois avant le festival, nous avons fait le point avec lui. 

Le thème du Klarafestival 2026 s’inspire du premier album que vous avez sorti avec le Bantu Ensemble : Where Is Home. Que signifie pour vous le mot « chez-soi » ?

Chez-soi... Cela a quelque chose de réconfortant, vous ne trouvez pas ? Cela donne de la force. Je pense que le chez-soi représente bien plus qu’un simple endroit. Il est empreint de nostalgie, de souvenirs qui font de nous ce que nous sommes. Le chez-soi peut aussi relever du domaine de l’inconscient : les choses que l’on fait sans y penser, les personnes auprès desquelles on se réfugie. Un refuge, c’est un endroit à partir duquel on peut construire quelque chose. 

Quand avez-vous compris que la musique pouvait être votre refuge ? 

Ce sentiment a toujours été présent, aussi loin que je m’en souvienne. La musique occupait une place très importante dans notre maison : ma mère, mon frère, tout le monde chantait tout le temps. C’est quelque chose d’essentiel dans la façon dont les gens se rassemblent en Afrique du Sud. C’est lié non seulement à la religion, mais aussi à une croyance spirituelle en nos ancêtres. Pour moi, chanter est la chose la plus naturelle au monde, comme une langue maternelle. 

Comment le violoncelle a-t-il fait son apparition dans votre vie ? 

Mon frère, très curieux, considérait la musique comme une clé pouvant nous ouvrir toutes les portes. Il m’a emmené à un programme de sensibilisation à Soweto, où il jouait du basson. Il a choisi le violoncelle pour moi et m’a dit : « C’est là que tu vas aller. » Et c’est ce qui s’est passé. (rires) Au début, j’ai cherché moi-même ma voie avec cet instrument, j’ai gratté, poussé et tourné toutes sortes de choses. C’était un pur plaisir de jouer, et c’était génial. Grâce à cette école de Soweto, j’ai découvert plus tard Bach et Beethoven, et j’ai pu affiner ma technique. 

L’univers musical que vous construisez aujourd’hui reflète toutes sortes d’influences. Pouvez-vous nous le faire découvrir ? 

Dans le township où j’ai grandi, aucune porte n’était verrouillée. Enfant, on se promenait et on entendait du jazz sortir d’un baffle. On entendait les voisins prier et jouer du tambour lors d’un rituel. On entendait des chants militants, des chants de football... une cacophonie de sons. Certaines de ces influences se reflètent au-delà des frontières coloniales. Prenez les hymnes de mon enfance : ils relient la musique sacrée sud-africaine aux chorals de Bach, et même aux chants contestataires. Je suis le produit de toutes ces influences. Tout l’art consiste à s’en servir pour trouver sa propre vérité. Cette idée est au cœur de mon univers sonore. 

On remarque à quel point la relation qui vous unit au passé musical est empreinte de liberté. Quelle est votre vision du répertoire ? 

J’essaie avant tout de raconter une histoire. Nous sommes les héritiers de tant de personnes. Pourquoi nous sommes là, comment nous parlons, comment nous bougeons : tout cela s’inscrit dans une longue histoire, peuplée de gens qui ont travaillé dur pour que nous puissions occuper cette place. Alors, regardons autour de nous, partons à la recherche d’histoires uniques. Et tenons compte de l’influence de nos contemporains, racontons aussi ce qui se passe maintenant. Il y a un fil conducteur dans l’histoire qui nous relie tous. 

Vous parlez souvent de l’improvisation comme d’une clé de l’imagination. Que se passe-t-il en vous lorsque vous improvisez ? 

Enfant, j’avais un ami en Afrique du Sud, un trompettiste extraordinaire. Il comparait l’improvisation à la sensation que l’on ressent en tombant d’une colline. On glisse sur le sol et on s’agrippe à tout ce qui nous entoure pour tenter de retrouver notre équilibre. L’improvisation est une expérience sensorielle totale, une exploration de l’esprit, du corps et de la créativité. C’est à la fois se perdre et ne pas se perdre. On cherche des solutions dans l’instant présent et on passe d’une histoire à l’autre, sans avoir à suivre un cheminement logique. L’improvisation libère. 

Est-ce cette même passion que vous transmettez à vos auditeurs quand vous les invitez à chanter avec vous ? 

Certainement, même si cela tient aussi à un principe sud-africain – ou plutôt universel – avec lequel j’ai grandi. Quand quelqu’un se tient devant un groupe de personnes, je ne crois pas que la foule se contente de recevoir. Des informations importantes sont transmises dans les deux sens. Quand les gens assistent à un concert, ce n’est pas pour écouter passivement. Dans l’espace que nous partageons, une énergie est créée dont nous sommes responsables en tant que groupe. 

Comment restez-vous vous-même, ou « chez vous », lorsque vous êtes sur scène ? 

Par pure honnêteté. Il s’agit de faire face à un groupe de personnes et de créer quelque chose à partir de rien. C’est incroyable ! Il serait injuste d’exiger la perfection dans ce contexte. Tout peut arriver, à tout moment. Je pense que c’est précisément cette spontanéité que les gens recherchent dans un concert. Cette prise de conscience m’aide à rester ancré. Je ne suis pas là pour répondre à la perfection. Je suis là pour donner un sentiment de créativité, un reflet de soi-même. 

Un moment de cohésion également ? 

Bien sûr. Même si nous menons des existences parfois très différentes, nous passons quelques heures ensemble dans une salle et nous nous relions les uns aux autres. C’est magique. Lorsque nous repartons dans le monde, nous avons le sentiment d’appartenir à quelque chose, de faire partie d’une communauté. Nous n’avons même pas besoin de savoir comment s’appellent les autres, il suffit de savoir ce que signifie être humain. 

« Si je prononce le mot "guérir" aussi souvent que possible, le monde guérira-t-il ? » C’est la question que vous vous posez dans le livret de l’album Where Is Home. Pensez-vous que la musique peut guérir ? 

Absolument. Il est important de parfois s’attarder sur les petites choses, car les grandes peuvent être assez intimidantes. Et il est bon de s’oublier soi-même de temps en temps. Je pense que la musique peut y contribuer. La musique peut guérir de nombreuses façons. Elle peut apaiser les tensions entre les gens, dissiper les malentendus. Les mots et le langage corporel sont souvent mal compris, mais dans la musique, les gens se comprennent. Aujourd’hui, nous avons tous sur nos téléphones des playlists avec de la musique provenant de différentes cultures. Nous pouvons nous imaginer dans tant d’endroits à la fois et apprendre à comprendre les personnes les plus diverses. 

Durant le Klarafestival, vous donnez trois concerts, dont le premier avec votre propre groupe, le Bantu Ensemble. Que représente-t-il pour vous ? 

Le Bantu Ensemble est mon port d’attache musical. Notre travail porte sur l’amitié, l’identité et la communauté, mais aussi sur la recherche de l’inconnu, le fait de jouer sans réfléchir. En tant que quatuor, nous réunissons toute une gamme de sons. Notre pianiste, Fred Thomas, est un incroyable musicien baroque, nous jouons donc du Bach, que nous entremêlons d’autres styles. Le percussionniste Dudù Kouaté crée des sons cosmiques grâce à un immense arsenal de percussions africaines. Il ouvre un monde qui touche à l’improvisation et au free jazz. Le bassiste Alan Keary possède quant à lui un groove incroyable qui nous donne envie de danser. Tous ces éléments font partie de notre langage. 

Pourquoi avez-vous fondé cet ensemble ? 

Je pense que je voulais estomper encore davantage les frontières entre la musique classique et mon propre travail. Ces musiciens sont tellement créatifs que je n’ai même pas besoin de leur dire quand ils doivent jouer du classique ou emprunter une autre voie. Nos échanges se déploient de manière profondément organique. 

Pour votre deuxième concert, « Kindred Spirits », vous avez formé un quatuor occasionnel audacieux. 

Ce projet réunit également différents univers. La soprano Héloïse Werner se consacre principalement à la musique contemporaine et a donc une approche vocale distincte de la mienne. Il m’a semblé intéressant de faire dialoguer deux chanteurs qui font des choses si différentes, tant sur le plan vocal que culturel. Le percussionniste Bernhard Schimpelsberger est spécialisé dans la musique classique indienne, il apporte lui aussi toute une batterie d’instruments. Et puis, il y a le pianiste de jazz Fabian Fiorini, qui allie sans effort tradition et improvisation dans son travail. Chacun d’entre nous proposera au groupe du matériel musical, comme un cadeau. Sur la base de ces contributions, nous improviserons ensemble. Je suis curieux de voir où cela nous mènera ! 

Enfin, vous vous produirez en soliste avec le Brussels Philharmonic dans un tout nouveau concerto pour violoncelle de la compositrice américaine Jessie Montgomery. 

Il s’agira de la première belge de cette œuvre, quel suspense ! Jessie et moi avons des racines africaines différentes : elle vient des États-Unis, moi d’Afrique du Sud. Mais nous racontons néanmoins des histoires qui semblent résonner l’une avec l’autre. Nous avons ainsi commencé à réfléchir ensemble à nos mères : comment vivaient-elles, comment pensaient-elles, comment étaient-elles ? Faisaient-elles des choses similaires ? Inspirée par ces questions, Jessie s’est mise à écrire. Elle possède une profonde puissance créative et j’ai hâte de découvrir son concerto.

Traduction : Judith Hoorens 

Abel Selaocoe

Le violoncelliste, chanteur et compositeur sud-africain Abel Selaocoe est l’une des voix les plus importantes du monde musical actuel, combinant et redéfinissant les répertoires en toute liberté. Il passe sans effort d’un style et d’un genre à l’autre, dans des programmes qui relient les traditions musicales d’Occident et d’ailleurs. Il combine ainsi sa virtuosité au violoncelle avec l’improvisation, le chant et les percussions corporelles. Son ouverture d’esprit l’a conduit à collaborer avec de nombreux musiciens de différents genres, dont Bernhard Schimpelsberger, Seckou Keita, Giovanni Sollima et Dudù Kouaté. Selaocoe est le fondateur du Trio Chesaba, qui se consacre à la musique africaine, et du Bantu Ensemble, avec lequel Selaocoe fait résonner de manière unique les influences africaines et classiques. 

Bantu Ensemble

Le Bantu Ensemble, fondé en 2022 par Abel Selaocoe, aborde la musique classique avec liberté et ouverture d’esprit. Composé de Selaocoe, du bassiste Alan Keary, du pianiste Fred Thomas et du percussionniste Dudù Kouaté, l’ensemble de quatre musiciens crée des mélanges innovants entre musique traditionnelle et jazz. Leurs programmes s’articulent toujours autour des compositions de Selaocoe et de celles de compositeurs qui l’inspirent, tels que Jean-Sébastien Bach et Giovanni Battista Platti. En 2022, l’ensemble a sorti un premier album, Hae Ke Kae (Where is Home), qui leur a permis de se produire notamment au Concertgebouw d’Amsterdam, au Southbank Centre de Londres et à la Philharmonie de Berlin. La saison 2024-2025 a vu la sortie de Hymns of Bantu et une première tournée aux États-Unis, avec notamment des débuts au Carnegie Hall.